“Escrever é divertido e ainda pagam você”

por Marcelo Seabra

Nota: o texto a seguir foi escrito para uma disciplina de faculdade em 2004 e é republicado aqui na ocasião do aniversário de 71 anos de Stephen King. Algumas informações estão desatualizadas, nada foi alterado, mas serve como uma visão geral sobre as adaptações da obra do escritor. Parabéns, Mestre, e obrigado!

Um carcereiro descobre um poder fantástico nas mãos de um prisioneiro prestes a ser executado, mas não consegue provar a inocência dele. Um banqueiro é preso pelo assassinato de sua esposa e do amante dela e passa anos na cadeia, se envolvendo com diversos personagens. Quem imaginaria que estas histórias saíram da cabeça do homem conhecido como Mestre do Terror? Pois Stephen King não se limita a apenas um gênero, qualquer que seja ele.

O cinema parece sempre ser regido por modismos, que podem ser adaptações de quadrinhos, séries de televisão ou obras literárias. Analisando-se este último, pode-se constatar que várias obras de Stephen King estão sendo desenvolvidas para o cinema. Algumas, em estágio avançado; outras, nem tanto. E os produtores sabem que o autor é garantia de retorno financeiro, seu nome no cartaz é um grande atrativo.

King dedica-se ao ofício desde os 12, mas passou por diversos trabalhos quando as coisas iam mal. Abandonada pelo marido em 1949, Nellie Ruth teve que criar, sozinha, seus dois filhos: Stephen, então com dois anos, e David, com quatro. Exerceu várias funções que não exigiam especialização ou estudo, como em uma lavanderia, restaurantes, até como governanta. Em 1967, o jovem escritor conseguiu vender seu primeiro conto para uma revista, e ficou tentando conseguir algo mais.

Depois que, em 1971, se casou, King não conseguia emprego como professor de inglês e teve que colocar seu diploma de lado, conseguindo salários baixos como frentista de posto de gasolina, por exemplo. Sua esposa, Tabitha, foi pelo mesmo caminho que a sogra, produzindo rosquinhas ou passando lençóis em fábricas. As publicações esporádicas não rendiam o suficiente e a família King teve até que pedir o cancelamento de sua linha telefônica.

Foi apenas aos 26 anos que King conseguiu contrato para uma editora publicar um livro seu, de capa dura. Era Carrie, história que havia passado por várias recusas e tinha até ido, literalmente, para o lixo. Tabitha o resgatou e insistiu para que o marido reescrevesse e apresentasse novamente. Uma crítica favorável do jornal The New York Times chamou atenção para o escritor, e os direitos de adaptação de Carrie foram vendidos ao estúdio United Artists.

O filme rendeu uma boa bilheteria e elogios ao diretor Brian De Palma. “Para muitos produtores e diretores, o material que escrevo é muito visual. Eles resolvem filmá-lo achando que não precisam trabalhar duro na construção dos filmes”, sugere King em entrevista à revista SET. O problema, segundo ele, é que as produções focam muito o “momento em que o monstro aparece movimentando suas presas”, não dando muita importância à história.

Vieram, em seguida, outros dois sucessos, também adaptados: A Hora do Vampiro, para a televisão, e O Iluminado, pelas mãos de Stanley Kubrick. Uma curiosidade é o fato de o escritor gostar de fazer aparições à Hitchcock nos filmes baseados em sua obra. Creepshow – Show de Horrores, Cemitério Maldito, A Maldição do Cigano trazem algumas das mais significativas, que fazem os fãs procurá-lo em cena.

Com o nome já consolidado e superexposto, King achou que era hora de publicar histórias diferentes, que pudessem fugir do habitual, que ele queria que chegasse ao seu público. Mas, para evitar mais lançamentos sob sua grife e gozar da liberdade de um desconhecido, ele adotou o pseudônimo Richard Bachman, inventando uma história para este personagem, incluindo uma esposa e até seu falecimento, que ocorreu quando o segredo foi exposto. Com essa alcunha, ele publicou cinco livros “vivo” e um “póstumo”. Uma dessas histórias, de Os Livros de Bachman, deu origem ao filme O Sobrevivente, estrelado por Schwarzenegger e exibido à exaustão na televisão.

Mas as histórias geralmente apontadas pela crítica como as melhores são aquelas que se aproximam mais da realidade, mesmo que apresentem algo incomum, como em A Zona Morta, cujo protagonista passa a prever o futuro após ficar alguns anos em coma. Bryan Singer, por exemplo, dirigiu O Aprendiz antes de entrar para a franquia X-Men. Ou como as histórias citadas no início deste texto, que deram origem aos filmes À Espera de um Milagre e Um Sonho de Liberdade, respectivamente. Segundo o crítico de cinema Pablo Villaça, este último deve se tornar um clássico, com o tempo, ao lado de Casablanca, Cantando na Chuva ou Cidadão Kane.

Já milionário, vivendo em uma mansão vitoriana de 24 cômodos, King continua morando no estado americano do Maine. Muitas de suas histórias, inclusive, se passam lá, em uma cidade inventada. É em Castle Rock que o xerife Alan Pangborn enfrenta o diabo em Trocas Macabras, ou o escritor Thad Beaumont confronta George Stark, sua Metade Negra, por exemplo. Por isso, concorda quando o chamam de regionalista: “Se você viveu toda a sua vida em um lugar e quer escrever a sério, você é quase que obrigado a escrever sobre aquele lugar. Pode-se descobrir fatores universais em qualquer lugar. Mas me afasto de lá de vez em quando”, explica, em uma das várias entrevistas publicadas no livro Dissecando Stephen King. Um de seus dramas mais sensíveis, O Corpo, que deu origem ao filme Conta Comigo, também se passa lá.

Recuperado do acidente de setembro de 1999, quando foi atropelado durante uma caminhada e teve vários ossos quebrados, e de uma pneumonia bem séria no fim de 2003, o escritor mantém sua rotina de trabalho, datilografando algo em torno de duas mil palavras todas as manhãs, ao som de rock. E continua com medo de escuro, mantendo alguma luz de seu quarto acesa durante a noite.

Em pré-produção estão outros vários projetos. O Cadillac de Dolan, primeiro conto do livro Pesadelos e Paisagens Noturnas, já teve vários atores ligados a seu elenco. Atualmente, conta com Christian Slater (Entrevista com o Vampiro) e Wes Bentley (Beleza Americana) nos papéis principais (abaixo). Escrito a quatro mãos, O Talismã é outro a ganhar vida. Marca a amizade entre King e Peter Straub, autor que também frequenta um mundo da fantasia. A dupla já, inclusive, escreveu a sequência, A Casa Negra. A lista ainda inclui um novo Creepshow, Saco de Ossos e Buick 8.

Além desses longas, várias redes americanas de televisão usam as criações do autor para preencherem suas grades de programação, geralmente apresentando, em horário nobre, minisséries com a grife Stephen King. E, já de olho em um lucro extra, elas são compiladas em edições menores, para conquistarem o mercado do vídeo e DVD. Foi assim com A Dança da Morte, O Iluminado (a segunda versão), Jovem Outra Vez, Fenda no Tempo, Rose Red, A Tempestade do Século e o mais recente Desespero. Em 2004, a rede ABC exibiu Kingdom Hospital, série que conta com roteiro do escritor, desenvolvido especialmente para a televisão.

O mais recente longa adaptado da obra de King é O Nevoeiro, conduzido pelo mesmo diretor de Um Sonho de Liberdade e À Espera de Um Milagre, Frank Darabont. Como aconteceu em ambos, William Sadler e Jeffrey DeMunn estão no elenco, que chega reforçado por outros velhos conhecidos das histórias do escritor: Thomas Jane (O Apanhador de Sonhos), Andre Braugher (Salem’s Lot) e Frances Sternhagen (Jovem Outra Vez). Dessa vez, Darabont se envolve com criaturas sobrenaturais, adentrando mais o terror que seu habitual. Mas, apesar dos monstros e sustos, temos interessantes discussões acerca da humanidade, ainda que os personagens sejam menos desenvolvidos, mais estereotipados, parecendo servir apenas para que a história chegue onde se espera. Nada que impeça o longa de ser divertido e digno de ser assistido.

Um Sonho de Liberdade, talvez a melhor das adaptações da obra de King

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Hotel Artemis é ação quase saída de HQ

por Marcelo Seabra

“Uma mistura de um conto de fadas com um filme do Michael Mann”. Assim Drew Pearce define seu Hotel Artemis (2018), sua estreia na direção de um longa. Roteirista e produtor, ele entrega uma obra que tem toda pinta de adaptação de história em quadrinho, mas mais preocupado em acelerar o ritmo do que em contextualizar ou explicar. Não temos muito acesso ao passado dos personagens, mas logo entendemos aonde eles querem chegar.

O Hotel Artemis é, na verdade, um hospital para fugitivos. Toda a sorte de criminosos chega lá buscando tratamento ou socorro imediato, e para isso eles pagam regularmente. Funciona como um clube, e todos mantém a discrição. Quando a história começa, descobrimos um assalto dando errado e somos conduzidos ao hotel pelos irmãos que escaparam do crime. Sherman (Sterling K. Brown, da série This Is Us) carrega o caçula (Brian Tyree Henry, de Atlanta) ferido para lá, onde são recebidos pela Enfermeira (Jodie Foster, de Deus da Carnificina, 2011). Envelhecida por maquiagem, a atriz mostra que continua sendo uma força da natureza em frente às câmeras.

Mesmo com uma placa luminosa na fachada, o hotel é mantido em sigilo pela Enfermeira e seu capanga, Everest (Dave Bautista, de Os Guardiões da Galáxia). Eles resolvem internamente qualquer problema e os hóspedes seguem regras rígidas, como não matar outro hóspede. É revelado que o mandachuva do lugar é um mafioso apelidado de Rei Lobo (Jeff Goldblum, de Jurassic World 2, 2018) e, logo, o próprio aparece, precisando de cuidados. Ele é acompanhado pelo filho (Zachary Quinto, o Spok de Star Trek) e um séquito de marginais.

Os demais hóspedes não demoram a aparecer, fazendo a trama andar. Temos Sofia Boutella (A Múmia de 2017) e Charlie Day (de Férias Frustradas, 2015) completando o elenco principal. Enquanto ele é uma versão mais barata e histriônica de um Sam Rockwell, ela se faz de misteriosa e esconde grande potencial para o mano a mano. Chega, inclusive, a lembrar bastante a Elektra, personagem do universo do Demolidor. E a trama se passa alguns anos a frente, numa Los Angeles tomada por rebeliões, onde a polícia é privada e espanca sem dó e a água custa caro.

Lembrado como roteirista de Homem de Ferro 3 (Iron Man 3, 2013) e do quinto Missão: Impossível (Rogue Nation, 2015), Pearce tem uma premissa interessante em mãos, e segue quase como um videogame. Muita gente deve sentir falta de algo mais profundo, melhor desenvolvido. Mas a ação não decepciona. O nível de violência, inclusive, cresce bastante, chegando a surpreender quando o sangue espirra. Ele explora bem a estrutura do hotel, onde se passa 90% do filme. A câmera passeia pelos longos corredores e nos dão uma ideia da geografia do lugar.

O bom elenco e o fiapo de trama que dá início a Hotel Artemis causam uma boa impressão que só vai durar caso o público entre nessa viagem de cabeça. O desenrolar, aliado a uma grande dose de violência, pode causar desconforto e afastar parte da audiência. Na pior das hipóteses, Pearce se mostra promissor e deixa alta a expectativa por seu próximo projeto.

Jeff Goldblum é sempre uma figura interessante

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Grande elenco é desperdiçado em brincadeira de criança

por Marcelo Seabra

Amigos de mais de quarenta seguem brincando, um mês por ano, de pega-pega. Sabe aquela brincadeira de “te peguei, está com você”? Pois é, exatamente isso. Desde os nove anos de idade, quando criaram as regras. Moram em estados diferentes, cada um tomou um caminho, mas o reencontro vem sempre na forma do jogo, quando precisam vencer uns aos outros em esperteza. Essa é a trama de Te Peguei (Tag, 2018), longa atualmente em cartaz.

Você pode pensar: “que troço exagerado, ninguém brincaria disso por mais de três décadas”. Mas o argumento é baseado num fato. O que pode ser surpreendente, até assustador. Mas não necessariamente engraçado. E trata-se de uma comédia. Esse é o principal problema da obra: a completa falta de graça. As poucas situações criadas nesse sentido são forçadas e insistem num tipo de humor rasteiro, como piadinhas com maconha.

Com um resultado tão fraco, a conclusão mais óbvia é que temos aqui um grande desperdício de elenco. À frente, Ed Helms repete seu papel de Se Beber, Não Case (The Hangover), o de sujeito certinho, bacana, que se vê fazendo coisas loucas quando pressionado pelas circunstâncias. Jon Hamm, o eterno Don Draper de Mad Men, atualiza o papel de executivo poderoso ao qual está acostumado. Nenhum dos dois recebe muita oportunidade do roteiro – talvez Hamm tenha uma situação melhorzinha na sequência inicial.

Os outros dois amigos, vividos por Hannibal Buress e Jake Johnson, são relegados às tais piadinhas bestas, talvez por serem atores menos estabelecidos. E chegamos a Jeremy Renner, que acaba tendo a menos pior das funções. Brincando com sua persona de herói (estamos falando do Gavião Arqueiro da Marvel), ele até se sai bem como o amigo que nunca foi pego. Exatamente por isso, o mais distante da turma, já que o medo de perder na brincadeira o faz ficar sempre longe.

Numa comédia extremamente masculina, o roteiro até se esforça para valorizar as mulheres que joga na trama, sempre sem sucesso. Temos Isla Fisher, Leslie Bibb, Annabelle Wallis e Rashida Jones como quatro bibelôs, além de uma pequena participação da sumida Nora Dunn. Se já estava tudo indo mal, o final consegue ser ainda pior. Não vamos entrar em detalhes para não estragar nada, mas sempre dá para piorar. Não foi da primeira vez que o estreante Jeff Tomsic causou uma boa impressão. Melhor sorte na próxima.

O casamento era pra ser o ponto alto do filme

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Últimos dias de Tancredo são retratados em O Paciente

por Marcelo Seabra

Em época de eleição, é normal que só se ouça falar sobre política. Essa semana, um episódio famoso da História do Brasil faz o tema chegar também ao Cinema. É a estreia de O Paciente – O Caso Tancredo Neves (2018), longa que reconta os últimos dias daquele que seria o primeiro presidente do país após o fim da ditadura militar. Símbolo de liberdade e retomada de crescimento, Tancredo foi parar num hospital e não saiu com vida.

Com longo histórico de filmes políticos (como O Homem da Capa Preta, Lamarca e Guerra de Canudos, entre outros), o diretor Sérgio Rezende mais uma vez volta sua atenção para um período relevante. Segundo Rezende, em rápidas palavras antes da exibição, Tancredo é um personagem muito importante que poderia ter mudado os rumos do país. Essa admiração é facilmente percebida na obra, que trata o biografado como a única salvação de um povo, a chance ímpar de tirar os militares do poder. O roteiro, assinado por Gustavo Liptzein, adapta o livro homônimo de Luís Mir.

A primeira qualidade a ser ressaltada é o fato de o filme já começar, numa narração do contexto, reforçando que se tratava de uma ditadura militar. Nesses tempos bicudos em que vivemos, é importante deixar isso claro. Daí a importância do Dr. Tancredo – como era chamado. Sentindo dores abdominais há algum tempo, ele vê a situação chegar ao extremo, com todos os médicos em volta recomendando uma cirurgia imediata. A partir desse ponto, temos uma mistura de House of Cards e House. Ou, quem sabe, Grey’s Anatomy, já que são muitos a darem palpites e o drama toma conta. É até mencionado o boato de que ele teria sido alvejado numa missa, o que tem gente acreditando até hoje.

No papel principal, temos um ator inegavelmente competente que, ainda por cima, se parece muito fisicamente com Tancredo. Othon Bastos (de Heleno, 2011), no entanto, tem um quê teatral que transforma todas as suas falas em discursos. Em alguns momentos, essa postura (e impostação de voz) é adequada, mas por vezes passa da conta. Alguns de seus coadjuvantes parecem aderir, soando artificiais, principalmente na primeira sequência, numa conversa em família. Quando a ação se transfere para o hospital, temos chance de ver melhores interpretações, o que contribui muito para o sucesso do projeto.

Entre os médicos, vários nomes merecem menção honrosa: Elcir de Sousa, Otávio Müller, Leonardo Franco, Leonardo Medeiros, Pedro Brício, Paulo Betti (apesar da careca tosca) e Emiliano Queiroz. Eles vivem profissionais da saúde que mais parecem se preocupar com suas reputações que com seu paciente. A briga de egos toma um tempo precioso, algo que Tancredo não tinha. Além desses, outros destaques do elenco são Ester Góes, que faz uma Dona Risoleta refinada e marcante, e Emílio Dantas, o assessor de imprensa do presidente que é quase sempre o último a saber – o que é desesperador para alguém na posição dele.

A reconstituição de época é ótima, como mostra a Brasília (ou Variant II) que serve de táxi, entre outros itens. Algumas figuras em cena podem ser identificadas, como a representação da jornalista Glória Maria. Para dar mais veracidade, Rezende usa também imagens e depoimentos reais, como o do ex-governador Hélio Garcia e de Ulisses Guimarães. E, nos próprios diálogos, percebemos que não pegaram leve. Principalmente com o vice, José Sarney, que caiu de paraquedas apenas por um arranjo político e era execrado por todos os lados. Aécio, o neto abjeto, era apenas um projeto de playboy que nunca chegou tão perto da presidência quanto naqueles dias.

Eis a foto real, do casal e a equipe médica

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A Freira de Invocação do Mal ganha seu filme

por Marcelo Seabra

Chega aos cinemas essa semana mais um capítulo do universo de Invocação do Mal – afinal, não são só os heróis que gozam desse artifício. A Freira (The Nun, 2018) desenvolve a história da criatura que persegue o casal Warren e introduz personagens novos, para quem devemos torcer. O problema é que fica difícil levar a sério a quantidade de clichês e burradas do roteiro, além de coisas que acontecem inexplicavelmente apenas para buscar um susto fácil.

Os Warren foram apresentados no primeiro Invocação do Mal (The Conjuring, 2013), quando conhecemos também a boneca maldita Annabelle. O longa deu muito certo e ganhou uma continuação em 2016, além de duas produções solo da boneca (em 2014 e 2017). O esperto James Wan, criador da franquia, fez tudo de caso pensado, para que seus filmes dessem origem a novos. A próxima da fila era a freira demoníaca, um espírito misterioso que parece ter Ed Warren como alvo.

Como foi pouco mostrada e chamou atenção, a freira tem agora sua história contada. Já sabíamos se tratar de um demônio vestido de freira, talvez numa tentativa de se passar por bonzinho e enganar suas vítimas. Ou seja: trata-se de um demônio drag. E os pormenores dessa história, descobrimos com a ajuda de Demián Bichir (de Alien: Covenant, 2017), um bom ator que traz um peso para o elenco. Ao lado dele, curiosamente, temos Taissa Farmiga (de American Horror Story), irmã mais nova de Vera Farmiga, a intérprete de Lorraine Warren.

A dupla é enviada a um mosteiro isolado na Romênia para investigar o suicídio de uma freira. O Padre Burke é uma espécie de cruzamento do Padre Merrin (de O Exorcista, 1973) com Indiana Jones, sempre buscando desvendar mistérios ligados à fé. Já a irmã Irene nem fez seus votos ainda e a escolha dela é uma incógnita. Os dois se juntam a um local, Frenchie (Jonas Bloquet, de Elle, 2016), que vai guiá-los e serve de alívio cômico – forçado, diga-se de passagem. As características da franquia são mantidas: muito contraste de claro e escuro, construções antigas bem exploradas, clima interessante de suspense. Mas os efeitos sonoros excessivos irritam.

A partir do momento em que se aproximam do lugar, tudo de estranho começa a acontecer. Estranho no pior sentido da palavra, já que coisas sem sentido são jogadas no meio da ação apenas para assustar ou fazer o roteiro funcionar. James Wan e Gary Dauberman (que escreveu os dois Annabelle) assinam o texto, mas não é algo do que se orgulhar. Baseado no trailer e no cartaz, dava para esperar por algo bem diferente, e muito melhor. A Freira faz a expectativa por The Crooked Man, próximo longa desse universo, cair drasticamente.

O tipo de cena que mais acontece: só o público vê a freira

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Mais um autor infantil ganha cinebio

por Marcelo Seabra

É muito comum que comecem a produzir determinado longa e logo outro estúdio resolva partir para um projeto semelhante. É o que aconteceu, de uma forma ou de outra, com o ursinho Puff – que passou a ser chamado no Brasil de Pooh, mais próximo de seu nome original, Winnie the Pooh. Antes do filme atualmente em cartaz, estrelado por Ewan McGregor, tivemos o lançamento de Adeus Christopher Robin (Goodbye Christopher Robin, 2017), uma bela obra que não teve o destaque merecido.

Christopher Robin, que está no título das duas produções, era o filho de um escritor de certo renome em Londres e, apesar da pouca idade, se tornou uma celebridade. Isso, porque o pai, sofrendo de um bloqueio criativo e de traumas de guerra, começa a escrever sobre os prazerosos dias que passa com o garoto no bosque perto de casa, onde levam uns animais de pelúcia e inventam aventuras. Naquele período, após a Primeira Guerra Mundial, tudo o que as pessoas queriam era um alívio da realidade.

Acertando em cheio no momento, Alan Milne (Domhnall Gleeson, de Star Wars: Os Últimos Jedi, 2017) vende milhares de cópias das histórias do ursinho e seu amigo humano, Christopher Robin. O garoto (vivido pelo ótimo iniciante Will Tilston) fica muito famoso, mais até que o pai, e esse é um dos aspectos tratados no filme: o status de celebridade. O distanciamento emocional de Alan também é um ponto importante, além do claro despreparo para enfrentar a maternidade de sua esposa (Margot Robbie, de Eu, Tonya, 2017).

O roteiro, assinado por Frank Cottrell Boyce e Simon Vaughan, faz um bom trabalho se aprofundando na psiquê de Alan, nos apresentando a um sujeito acostumado a fazer os outros rirem através de suas populares peças que perde a motivação ao passar pelos horrores da guerra. Gleeson faz um ótimo trabalho com seu corpo e sua presença, demonstrando perfeitamente o que se passa dentro do sujeito. Sua relutância em demonstrar seus sentimentos são de partir o coração. Enquanto isso, Robbie vive a megera de plantão, com poucos lampejos de humanidade.

O jovem Tilston é quem rouba a cena quando aparece, extremamente expressivo, ainda mais para alguém tão novo. Suas interações com a babá são ótimas, exemplificando de forma acertada como são as reações de uma criança. Cabe aí outro elogio: Kelly Macdonald (de Trainspotting 2, 2017) também está muito bem como a babá, Olive. É uma mulher que devotou sua vida a servir e faz vista grossa para comportamentos que não compreende e nem pode, mas não deve interferir.

Durante a sessão de Adeus Christopher Robin, é fácil se lembrar de Em Busca da Terra do Nunca (Finding Neverland, 2004), outra produção sobre um escritor emocionalmente travado que cria um clássico da literatura infantil a partir da amizade com uma criança. James Barrie é até citado em um diálogo. O fato de ter a história ambientada na primeira metade do século XX é outra semelhança, com seus figurinos escolhidos a dedo e sua fotografia que realça os padrões da época. Esse seria o momento de usar um “mas”. Mas a verdade é que quem gostou de um filme muito provavelmente vai se encantar pelo outro também.

Montagem para comparação

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Programa do Pipoqueiro #32

por Marcelo Seabra

O Programa do Pipoqueiro celebra os 15 anos de várias produções lançadas em 2003, como Encontros e Desencontros, com artistas variados que vão de Bob Dylan a Velvet Revolver, passando por The Who, Cream, Carly Simon, Pet Shop Boys e muitos outros. Aperte o play abaixo e confira!

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Grandes nomes não salvam comédia francesa

por Marcelo Seabra

Uma comédia francesa atualmente em cartaz é dirigida e protagonizada por um dos maiores artistas do Cinema desse país, Daniel Auteuil. No elenco, outros grandes nomes, além de contar com roteiro do premiado escritor Florian Zeller, que se baseou em sua própria peça. Infelizmente, ter gente boa a bordo não garante a qualidade do projeto. A Outra Mulher (Amoureux de ma Femme, 2018) não consegue ter graça, fazendo os envolvidos passarem vergonha para se resumir a dar uma mensagem moralista.

Para começo de conversa, o roteiro se perde em devaneios longos e equivocados que não demoram a ficar cansativos, fazendo o longa parecer ter muito mais que seus 80 e poucos minutos de projeção. O personagem principal consegue ser mais chato que Walter Mitty, aquele da vida secreta, e poderia ser descrito como uma versão mais velha e excitada dele. Ele passa todo o tempo se constrangendo enquanto baba em uma mulher bonita. As gags geradas nesses momentos são exageradas e passam longe de qualquer tipo de humor.

No início do filme, acompanhamos um encontro acidental. Daniel (Auteuil, dos ótimos O Closet e O Adversário) é um agente literário bem casado que foi pego de surpresa pela notícia de que um casal amigo ia se separar. Patrick (Gérard Depardieu, outro gigante, inclusive literalmente), o recém-divorciado, parece bem e está namorando uma mulher com a metade de sua idade. Os dois trombam na rua e marcam um jantar, para colocarem a conversa em dia e para que Patrick possa apresentar a nova musa.

No momento em que o jantar começa e Emma (Adriana Ugarte, a jovem Julieta de Almodóvar) é introduzida, a esperança de algo que preste vai para o espaço. O festival de palhaçadas e delírios de Daniel tem início, e a única pessoa que parece incomodada é a esposa dele, Isabelle (Sandrine Kiberlain, de A Viagem de Meu Pai, 2015), que dá alguns chiliques na sala ao lado e ninguém ouve nada. Entre a sala e a cozinha, acompanhamos as fantasias do sujeito com a namorada do melhor amigo. Ele se comporta como um adolescente cheio de hormônios que não sabe o que fazer com eles. E sem escrúpulos, claro.

Trata-se do quarto filme comandado por Auteuil, e é de longe o mais fraco. Como ator, ele tem mais de cem projetos, além de uma pancada de prêmios e indicações. Ele inclusive tem várias colaborações com alguns dos envolvidos, como Depardieu. Talvez, no papel, A Outra Mulher parecia ser melhor. Difícil entender como tanta gente boa de serviço entrou num barco tão sem rumo. O pior é que muita gente, vendo nomes tão competentes, será enganada, perdendo a oportunidade de ver coisa melhor. Ou de apenas ficar em casa.

Esse é o tipo de expressão que temos que aguentar por 80 minutos

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Diretor de O Exorcista parte para um caso real

por Marcelo Seabra

Em dezembro de 2016, a revista Vanity Fair publicou um artigo escrito por ninguém menos que William Friedkin, o diretor do já clássico O Exorcista (The Exorcist, 1973). No texto, o cineasta descreve como foi o seu encontro com um verdadeiro padre exorcista e como foi testemunhar uma sessão real de exorcismo. No ano seguinte, Friedkin levou a experiência ao Cinema, usando as filmagens que realizou para costurar o documentário The Devil and Father Amorth (2017), disponível na Netflix.

Em 1973, o longa de ficção assinado por Friedkin aterrorizou plateias do mundo ao mostrar de forma realista o processo de possessão demoníaca e subsequente exorcismo de uma menina norte-americana. William Peter Blatty, autor do livro e do roteiro do longa, se baseou em um caso antigo cujos fatos ele conseguiu escavar e seguir. A pedido da família da criança, ele desistiu de escrever um relato fidedigno e acabou passando à ficção, alterando dados e romantizando a história.

Ao ler a autobiografia do Padre Gabriele Amorth, Friedkin ficou sabendo que o “Exorcista do Vaticano” gostava muito do filme dele, “apesar de ter efeitos visuais exagerados”, como cita. Desde os anos 70, o diretor, que nunca havia testemunhado um exorcismo e era obcecado por isso, buscava ter essa experiência, e isso foi possível em abril de 2016. Todo o desenrolar é narrado no artigo que, como um livro, torna o relato bem assustador. No documentário, é possível ver as situações narradas, sem pseudônimos ou sutilezas. Tira um pouco do terror, mas traz realidade.

A curta duração proporciona uma sessão rápida e objetiva, sem floreios ou gorduras. Alguns efeitos sonoros são dispensáveis, é preciso dizer, mas não chegam a estragar a produção. Friedkin aparece na tela, explicando alguns pontos, e se mostra um bom apresentador. O caso real que inspirou Blatty também é levantado, com nomes e lugares revelados. Algumas curiosidades sobre O Exorcista são retomadas e há homenagens a Blatty e Amorth, ambos falecidos antes do lançamento. Um outro autor, especializado em estudos sobre o demônio e o Mal em geral, aconselha que não se gaste muito tempo sobre o tópico, sob a pena de atrair energias ruins, ou algo assim.

É claro que as crenças de cada espectador vão influenciar suas conclusões. Friedkin, que se declara agnóstico, tenta ser imparcial, mostrando suas filmagens para padres, bispos, psiquiatras e neurocirurgiões. Os depoimentos estão no filme e, no mínimo, podem levar a discussões interessantes. O diretor não se propõe a dar conclusões sobre a fé, o Mal ou outras questões filosóficas. Ele apenas proporciona a todos que se interessarem a experiência única de acompanhar um exorcismo e tudo que o rodeia, deixando para nós aquela sementinha de dúvida: seria tudo aquilo provocado pelo cérebro humano ou há de fato espíritos malignos que podem possuir inocentes?

Padre Amorth, pouco antes de seu falecimento, com Friedkin

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Jason Statham encontrou um oponente à altura

por Marcelo Seabra

Novidade nos cinemas ocupando atualmente o primeiro lugar nas bilheterias, Megatubarão (The Meg, 2018) é desses filmes cujo título já explica tudo. Na tela, vemos uma mistura de muita coisa não necessariamente boa já lançada, de Tubarão (Jaws, 1975) a Piranha (1978), com enquadramentos praticamente copiados e situações mais do que esperadas. A arma secreta da produção responde por Jason Statham, um sujeito carismático que conquista o público mesmo se repetindo incansavelmente.

Sem nada no Cinema desde que lançou o fraco Última Viagem a Vegas (Last Vegas, 2013), o diretor Jon Turteltaub assumiu o comando dessa aventura em alto mar que bebe no conceito de King Kong: uma região intocada, protegida pela natureza, guardaria espécies desconhecidas. Entre elas, o mítico Megalodon, um tubarão branco de mais de 20 metros que reinou na Terra há mais de 16 milhões de anos. Statham vive um mergulhador especialista em resgates chamado para salvar a equipe que explorava a tal região no Pacífico e foi atacada por algo enorme.

A questão é que não se sabe quando o tubarão teria sido extinto, o que nos deixa na dúvida se ele realmente sumiu. O canal Discovery até lançou um documentário sobre o assunto, explorando as possibilidades da existência do animal gigantesco. Se a ciência levanta essa peteca, a ficção mais do que depressa se aproveita. O livro de Steve Alten adaptado aqui é de 1997 e deu origem a várias sequências. Além do argumento ter um pé na realidade, o filme não é dos mais exagerados, como por exemplo tudo que Dwayne Johnson anda fazendo. Não vemos ninguém saltando entre andares de um prédio em chamas, o que é um bom começo.

O roteiro de Megatubarão é bem preguiçoso e não faltam conveniências. Clichês e frases de efeito pulam aos montes. No entanto, as relações entre os personagens são interessantes e nenhum deles é burro ou maligno. Numa produção como essa, era de se esperar um vilão (além do tubarão), uma mocinha frágil, entre outros estereótipos. Não é o caso, o que torna a sessão mais agradável. Rainn Wilson (de Shimmer Lake, 2017) e Li Bingbing (de Transformers: A Era da Extinção, 2014) ficariam com esses papéis, mas não são tão rasos. Os efeitos visuais seguram bem as pontas e a tridimensionalidade oferece uma profundidade acertada. Ou seja: o longa entrega o que promete.

A imagem dá uma ideia do tamanho da criatura

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